Die besten Shows am London Gallery Weekend

Von Emily Kraus‘ großen, betörenden Leinwänden bei The Sunday Painter bis zu Amanda Moströms erster Einzelausstellung mit Rose Easton

Emily KrausDer Sonntagsmaler27. April – 10. Juni

Inspiriert durch ihre Auseinandersetzung mit meditativen und somatischen Praktiken fertigt Emily Kraus Gemälde in einer kubischen Metallstruktur aus Gerüsten an, die sie auf ihrer Website als „Schutzraum, Zwang, Tabernakel und Grenze“ beschreibt. Der Entwurf war ursprünglich eine Reaktion auf die räumlichen Beschränkungen ihres Ateliers am Londoner Royal College of Art. Allerdings erkannte Kraus schnell das kreative und konzeptionelle Potenzial: Da die Leinwand über rotierende Stangen geschlungen ist, kann die Künstlerin jeweils nur einen begrenzten Ausschnitt des Werks sehen und ist daher gezwungen, sich auf ihre eigenen Erinnerungen an frühere Markierungen zu verlassen. Die resultierenden Leinwände sind vibrierend rhythmisch, betörend und groß. Für ihre erste Einzelausstellung bei The Sunday Painter, „Nest Time“, hat Kraus fast vier Meter hohe Leinwände geschaffen, die zwischen dem Organischen und dem Mechanischen oszillieren und durch Wiederholung und Zeit Spuren wie unregelmäßige Gezeitenlinien verwischen.

„Matter as Actor“Lisson Gallery 3. Mai – 24. Juni

Diese groß angelegte Gruppenausstellung, die in beiden Londoner Räumen von Lisson stattfindet, vereint Arbeiten von 12 Künstlern, für die Materialien nicht nur Ressourcen, sondern aktive Koproduzenten von Bedeutung sind. „Matter as Actor“ betont komplexe Beziehungsnetzwerke (über modernistische Autonomieansprüche) und zeichnet materielle Geschichten innerhalb und über mehrere kulturelle Rahmenbedingungen hinweg nach. Otobong Nkangas Installation Solid Maneuvers (2015) beispielsweise erinnert auf wunderbare Weise an die verheerenden Veränderungen, die der Bergbau in Namibia mit sich bringt; Lucy Raven hat ihre Silbergelatine-Shadowgram-Serie „Socorro!“ kreiert. (2021–22) indem lichtempfindliches Papier ballistischen Tests in New Mexico ausgesetzt wurde; und Yelena Popovas elegante Wandteppiche wie Keepsafe I (2019) stellen spekulative Denkmäler für stillgelegte Atomkraftwerke dar. Am eindrucksvollsten ist, dass der First Nations-Künstler D Harding die Fenster und Oberlichter der Galerie mit politisch aufgeladenen Pigmenten gefüllt hat, darunter Erde aus dem Land ihrer Großeltern – Farbtupfer, die stellenweise abgeblättert sind und auf den Boden gefallen sind.

Amanda MoströmRose Eastvom 4. Mai bis 10. Juni

Amanda Moströms erste Einzelausstellung mit Rose Easton besteht aus zwei neuen Werkgruppen, die sich mit Privatsphäre, Begehren und dem Familiären befassen. Der Titel „itsanosofadog *It's an ass of a dog“ bezieht sich auf ein YouTube-Video einer Hundemutter, die ihren aufgeregten Wurf durch vorgetäuschtes Beißen und selbstbewusste Stille beruhigt. Für Moström sprechen die Methoden der Mutter für Verhaltenslernen und die (Selbst-)Disziplinierung emotionaler Überflutung. Sanft gedruckte Standbilder aus dem Video, das mehr als 80 Millionen Mal auf YouTube angesehen wurde, werden in Rahmen aus Alpakahaaren präsentiert, die die Künstlerin während ihres Lebens auf der Farm ihrer Schwester gesammelt hat. Die wie Schlüssellöcher geformten Rahmen deuten auf die Erotik des Schauens und die weitverbreitete Verweigerung der Privatsphäre von Mehr-als-Menschen hin. Andere Arbeiten stellen sorgfältig inszenierte Fotografien von Schnittblumen dar, die von der Großmutter der Künstlerin aufgenommen, aber erst nach ihrem Tod entdeckt wurden.

Nour JaoudaUnion Pacific31. Mai – 8. Juli

Nour Jaouda, ein libyscher Künstler mit Sitz in Kairo und London, beleuchtet Zusammenhänge zwischen Städten, Räumen, Migration und Identität. Jaouda fertigt ihre Textilien aus gefundenen Leinen- oder Baumwollleinwandstücken, die sie dann zerreißt oder schneidet und färbt oder bemalt, bevor sie sie sorgfältig zu komplexen, vielschichtigen Werken zusammenfügt, die die Sprachen der Malerei, Skulptur und Installation durchqueren. In ihrer ersten Londoner Einzelausstellung werden elegante, aber prekäre Installationen – reich an Textur und üppigen Violett-, Rost-, Ocker- und Olivtönen – von Stahlrahmen getragen, von denen einige aus großen Jugendstiltoren aus Kairo oder in Beton gegossener Keramik bestehen. Titel wie „Wo, wenn nicht weit weg, ist mein Platz?“ (2023) und This Poem Will Never Be Finished (2023) deuten auf die partielle, situierte Natur kultureller Identität als einen fortlaufenden Prozess des Werdens hin.

Niamh O'MalleyVardaxoglou Gallery2. Juni – 14. Juli

Niamh O'Malley ist bekannt für ihren geschickten Umgang mit Materialien, insbesondere Stahl und Glas, und ihre sensible Reaktion auf bestimmte Räume. Ihre Biennale-Ausstellung „Gather“ (2022) in Venedig, die skulpturale Installationen mit bewegten Bildern kombinierte, lenkte die Aufmerksamkeit auf die übersehenen strukturellen Elemente – Lüftungsöffnungen, Abflüsse, Regale, Vordächer – die unterstützen, ermöglichen oder schützen. O'Malley treibt diese Elemente in Richtung Abstraktion und spielt mit Oberflächen, Schichten aus Undurchsichtigkeit und Transparenz sowie der Überschneidung von Formen. Die gelegentliche Heftigkeit des Herstellungsprozesses – von Diamantstaub zerkratztes Glas oder gebohrter und polierter Kilkenny-Kalkstein – steht im Kontrast zur klanglichen und strukturellen Subtilität der Werke. Ein Highlight bei Vardaxoglou ist „Fold“ (2023), eine zarte Serie wandhängender Arbeiten, die aus handgeschnittenen Stücken feinen Bilderrahmenglases bestehen, die mit Kupferfolie verbunden sind – eine Technik, die mit Tiffany-Lampenschirmen in Verbindung gebracht wird.

Nour MobarakRodeo 2. Juni – 23. September

Nour Mobaraks „Faksimiles der Götter“ ist Teil eines umfassenderen Projekts, das auf Jacopo Peris und Ottavio Rinuccinis La Dafne (1598) reagiert, die als erste Oper gilt. Die Eröffnungsvorstellung fand im Palazzo Corsi in Florenz statt, wo der Nischensaal mit Statuen gefüllt war, die die Charaktere auf der Bühne verdoppelten. Im Jahr 2022 produzierte Mobarak ihre eigene Version, Dafne Phono, und reagierte damit auf Ovids Geschichte von Transformation, geschlechtsspezifischer Gewalt und dem Ursprung der Musik, auf der die ursprüngliche Oper basierte. In der Rodeo Gallery stehen die Nischenskulpturen im Mittelpunkt: Apollo, Amor, Dafne, Venus und ein Chor aus neun weiteren Formen, die in den vergangenen Monaten langsam aus Myzel gewachsen und geformt wurden. Diese skulpturalen Stücke sind zart strukturiert mit den Ocker-, Dunkelbraun- und Cremeweißtönen vernachlässigter antiker Bildhauerkunst und bieten eine schwindelerregende Verflechtung von Körpern und Materialien, Leben und Tod, Wachstum und Verfall.

Avis NewmanMaureen Paley1. Juni – 30. Juli

Die in London lebende Künstlerin Avis Newman ist dafür bekannt, das zu schaffen, was sie „Konfigurationen“ nennt: Installationen, die skulpturale und gemalte Elemente mit gespannten und ungestreckten Leinwänden kombinieren. Der Künstler widersetzt sich dem Wunsch nach Bedeutungsfixierung und schlägt stattdessen eine Reihe temporärer und provisorischer Beziehungen zwischen Formen und Materialien vor. Obwohl sie Farben und Pigmente selbst herstellt, sagte Newman, dass Farbe für sie weniger interessant sei als Gewicht, Dichte und Temperatur. Die Ergebnisse sind stets subtil und vielschichtig. Für ihre zweite Ausstellung bei Maureen Paley greift Newman auf Sun Tzus Abhandlung „Art of War“ aus dem fünften Jahrhundert v. Chr. und die Poesie von Paul Celan aus dem 20. Jahrhundert zurück. Von winzig bis expansiv sind Newmans Leinwände mit kollektiv fließenden Formationen aus länglichen, kreisförmigen und dreieckigen Markierungen bevölkert. Werke wie Strategies of Engagement VI (Thirteen Chapters) (2018/22) erinnern an Karten, militärische Diagramme und die Modellierung pandemischer Luftströmungen und verweisen auf die Grenzen unserer Versuche, die Welt zu verstehen oder ihre Bedeutung festzulegen.

Nicole Bachmann, Li Hei Di und Minh Lan TranSt James's Church Piccadilly, Peckham Library Square und Hoxton Square2. – 4. Juni

Auch in diesem Jahr hat sich das London Gallery Weekend erneut mit der öffentlichen Kunstauftragsagentur UP Projects für ein Aufführungsprogramm an drei verschiedenen Orten in London zusammengetan: St. James's Church Piccadilly, Peckham Library Square und Hoxton Square. Drei Künstler werden das ganze Wochenende über Werke präsentieren: Nicole Bachmann spielt not a centre, but a mesh (2023), ein Spoken-Word-Stück, das Zusammenhänge zwischen oraler Kultur, Gemeinschaft und Wissenstransfer angesichts gesellschaftspolitischer Ungerechtigkeiten und des Klimas untersucht Zusammenbruch; Li Hei Di wird, begleitet von drei Mitkünstlern, Schichten von Reispapier durchqueren und Pigmente durch Hüte aus Trichtern mit mehreren Röhren spritzen (The Willow Tree, 2023); und Minh Lan Tran wird mit der Choreografin Lena Hetzel an Heat Generation (prayer) (2023) zusammenarbeiten und dabei die Verbindungen zwischen Tanz und Gewalt erkunden. Darüber hinaus hat Peckham Platform mit der Künstlerin Lesley Asare und Gemeinden in Southwark eine einmalige Samstagsperformance entwickelt, Body Arcana (Homebuilding) (2023).

Hauptbild: Otobong Nkanga, Steel to Rust – Meltdown (Detail), 2016, gewebte Textilien auf Aluminiumrahmen montiert, Maße variabel. Mit freundlicher Genehmigung: © der Künstler und Lisson Gallery

Tom Jeffreys ist ein in Edinburgh lebender Autor. Er ist Autor zweier Bücher: The White Birch: A Russian Reflection (Little, Brown, 2021) und Signal Failure: London to Birmingham, HS2 on foot (Influx Press, 2017).

Präsentiert von KCRW & frieze Magazine

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